Gewicht der Zeit

Die Metapher oder der Ausdruck vom Gewicht der Zeit betont, dass Zeit, vor allem aus der Perspektive der Musik, als Materie verstanden werden kann, so ähnlich wie Luft durchsichtig ist, aber ein Gewicht hat und ein Widerstand und Klänge transportieren kann und Krankheitserreger, so muss man sich auch Zeit als etwas Materielles vorstellen und nicht als eine mathematische leere Größe, als die es die Zeit natürlich auch gibt, aber von dieser Zeit ist hier, wie jeder sich denken kann, nicht die Rede. Wenn man Zeit nicht als etwas Leeres, Abstraktes, Mathematisches betrachtet sondern als etwas mit Eigenschaften, als eine Materie oder ein *Material*, um es vorsichtig zu formulieren, dessen die Musik sich bedient, um etwas zu bedeuten und um Formen darstellen zu können, dann landet man auch schnell dort zu sagen: Zeit hat ein Gewicht. erstellen wir also eine Liste der Eigenschaften von Zeit und vielleicht gelingt es uns sogar zu zeigen das nicht nur aus der Perspektive der Musik die Zeit Eigenschaften hat und ein Material ist, sondern auch sonst. Sobald man von Zeit als etwas Mathematischem absieht, sobald man also nicht von dem Zeitbegriff spricht den die Planetenbewegungen vorgeben sondern von dem, der aus menschlicher Perspektive erfahrbar ist, ist dei Vorstellung einer Materialität der Zeit alles andere als abwegig, denn diese nicht-objektive Zeit ist zwangsläufig immer an eine lebendige Perspektive gebunden, also an eine spezifische Situation und Zuständlichkeit eines Lebewesens. Selbstverständlich wird nicht behauptet, dass Zeit ein Gas sei. Oder eine Teilchenwolke. Es wird angenommen, dass Zeit für Zeitwesen, die Lebewesen nun mal sind, eine beeinflussbare Dichte hat. Wozu, könnten Leser fragen, vermeidet der Autor, das Phänomen subjektiver Zeitempfindung auf psychologischer Ebene aufzulösen? Aus dem einfachen Grund, dass Musik etwas Außersubjektives ist, Werke stehen wiederholbar in der Welt und mit ihnen wiederholbar ist der reziproke Effekt zwischen geformten Klanggebilden und der Zeitwahrnehmung. Die Zeit nicht als leeren “Raum “, sondern als akustisch greifbare Knetmasse für die musikalische Gestaltung zu betrachten hat den Vorteil, dass musikalische Phänomene begreifbarer werden, vor allem aber der Sinn von Musik ohne den erkennbaren Anwendungszusammenhang sich abzeichnet.

Das Gewicht der Zeit

Umrisse von Musik und Oper

Veröffentlichte und unveröffentlichte Essays


Inhalt

Die narrative Rolle der Musik im Musiktheater

Vortrag für die Akademie Musiktheater heute vom 28.5.1999 S.  2

Oper. Eine Reihe von Sätzen

Essay gekürzt, orig. veröffentlicht 2001 S. 21

Machtkritik durch das Musiktheater

Vortrag für die Akademie Musiktheater heute, August 2001                                                      S. 32

Zweifel, Zauber, Zeit. Wagners Lohengrin                                               S. 42

Schönbergs Prinzip der Musikalischen Prosa                                                            S. 49

Zufall und Wahrscheinlichkeit bei Xenakis und Cage                                                      S. 52

In offener Gesellschaft. Eine akustische Utopie S. 54

Originalbeiträge Ruhrtriennale 2002-2004 S. 62

Der letzte Faden. Überlegungen zu Alban Bergs Wozzeck2009                  S. 74

Aktuelle Wegbeschreibung für Babylon, Bayr. Staatsoper 2012 S. 88

Seite 103:

Der freischaffende Kompromiss. Über den ökonomischen Sonderfall eines freischaffenden Komponisten. Neufassung eines Artikels aus: Max Joseph. Magazin der Bayerischen Staatsoper

In der Musikhandlung, veröffentlicht Pfau Verlag 2003  

Die Metapher oder der Ausdruck vom Gewicht der Zeit betont, dass Zeit, vor allem aus der Perspektive der Musik, als Materie verstanden werden kann, so ähnlich wie Luft durchsichtig ist, aber ein Gewicht hat und ein Widerstand und Klänge transportieren kann und Krankheitserreger, so muss man sich auch Zeit als etwas Materielles vorstellen und nicht als eine mathematische leere Größe, als die es die Zeit natürlich auch gibt, aber von dieser Zeit ist hier, wie jeder sich denken kann, nicht die Rede. Wenn man Zeit nicht als etwas Leeres, Abstraktes, Mathematisches betrachtet sondern als etwas mit Eigenschaften, als eine Materie oder ein Material, um es vorsichtig zu formulieren, dessen die Musik sich bedient, um etwas zu bedeuten und um Formen darstellen zu können, dann landet man auch schnell dort zu sagen: Zeit hat ein Gewicht. erstellen wir also eine Liste der Eigenschaften von Zeit und vielleicht gelingt es uns sogar zu zeigen das nicht nur aus der Perspektive der Musik die Zeit Eigenschaften hat und ein Material ist, sondern auch sonst. Sobald man von Zeit als etwas Mathematischem absieht, sobald man also nicht von dem Zeitbegriff spricht den die Planetenbewegungen vorgeben sondern von dem, der aus menschlicher Perspektive erfahrbar ist, ist dei Vorstellung einer Materialität der Zeit alles andere als abwegig, denn diese nicht-objektive Zeit ist zwangsläufig immer an eine lebendige Perspektive gebunden, also an eine spezifische Situation und Zuständlichkeit eines Lebewesens.

Selbstverständlich wird nicht behauptet, dass Zeit ein Gas sei. Oder eine Teilchenwolke. Es wird angenommen, dass Zeit für Zeitwesen, die Lebewesen nun mal sind, eine beeinflussbare Dichte hat. Wozu, könnten Leser fragen, vermeidet der Autor, das Phänomen subjektiver Zeitempfindung auf psychologischer Ebene aufzulösen? Aus dem einfachen Grund, dass Musik etwas Außersubjektives ist, Werke stehen wiederholbar in der Welt und mit ihnen wiederholbar ist der reziproke Effekt zwischen geformten Klanggebilden und der Zeitwahrnehmung. Die Zeit nicht als leeren “Raum “, sondern als akustisch greifbare Knetmasse für die musikalische Gestaltung zu betrachten hat den Vorteil, dass musikalische Phänomene begreifbarer werden, vor allem aber der Sinn von Musik ohne den erkennbaren Anwendungszusammenhang sich abzeichnet.

Presse WAGNER FOR SALE

Tagesspiegel

Helden im Ausverkauf
“Wagner for Sale“ an der Neuköllner Oper.

von Sybill Mahlke

Dauernd klingelt das Telefon in der munteren Tonfolge von Siegfrieds Hornruf. Das nervt Sekretärin Hilde Brün, weil die Anrufer sie mit Wünschen nach Fan-Artikeln zuschütten, die sie kaum versteht: „Wie kann man ein ganzes Buch über einen Akkord schreiben?“ Die Unermesslichkeit des Themas schließt seine Eignung für Satire ein.
Es muss eine Liebe zu Richard Wagner sein, die einem heutigen Komponisten den Devotionalienhandel „Wagner for Sale“ zu dessen 200. Geburtstag diktiert. Moritz Gagern heißt er und hat bereits „Hacking Wagner“ in München musikalisiert, wo er auch Dramaturg des „Babylon“-Projekts von Peter Sloterdijk und Jörg Widmann an der Bayerischen Staatsoper ist.
Ein philosophischer Kopf mit Jazzausbildung.
Gagerns listiges kleines Musiktheater kommt an der Neuköllner Oper als seine zweite Zusammenarbeit nach „Lovesick“ mit der Choreographin Sommer Ulrickson heraus. Sie führt Regie und spielt (als Hilde) auch mit, neben der Sängerin Olivia Stahn, dem Schauspieler Christian Bo Salle und dem Komponisten selbst, der in dieser Eigenschaft für technische Zuckungen des Wagner-Kosmos mit Repetitionsneigung sorgt, eine magische, irritierende Begleitmusik.
Die Bühne stellt das Büro der Firma „Ring und Gral“ dar, und Hilde gerät in Trance, wenn sie Töne hört, die sie zu immergleichen Motionen verführen: „Selige Öde.“ Mitunter sind die Klangbeispiele, die sich wohl überwiegend an Insider wenden, so kurz, dass beim Hören heiteres Wagnerraten einsetzt. Oder sie wiederholen sich, als sei die Platte kaputt. Und ewig hämmern die Nibelungen. Bald ist die kleine Truppe zwischen Devotionalien, Umzugskartons, Kostümen, Helm und Schwert, „Revolution“-Schrift und Kostümen total gestört. Missverständnisse, Theaterrequisiten, Gartenzwerg, die Sängerin in Herrenunterwäsche verfremdet den Tenorpart des Siegmund, während beide Frauenstimmen Brünnhildes Flehen „Der diese Liebe mir ins Herz gehaucht“ verdoppeln in Richtung Dienstmädchenterz. Das ruft Rezeptionsgeschichte wach. Die vier Performer, nun ganz in unbeflecktem Weiß, singen als Finaleffekt überraschend abrupt: „Grüße mir Wälse und alle Helden!“ Keine Weiterrede. Punktum!


Süddeutsche Zeitung

Mythen sind Devotionalien
Die Neuköllner Oper Berlin seziert die Wagner-Welten

von Wolfgang Schreiber

Gut, dass es neben den erprobten Operntankern Berlins die kleine freche Neuköllner Oper gibt, wo regelmäßig aus der Reihe getanzt wird. Immerhin mit knapp 300 Vorstellungen im Jahr, 75 Prozent Auslastung. Opernkunst im aufgestiegenen Berliner Problembezirk Neukölln agiert haarscharf am Alltag entlang. Dort feiert man jetzt den runden Geburtstag des Komponisten Richard Wagner – mit der Musiktheater-Farce “Wagner for sale”, genannt auch “ein Devotionalienhandel”.
Wer das sehen und hören will, muss über eine knarrende Holztreppe den vierten Stock des Gebäudes Karl-Mark-Straße 131-133 erklimmen, in dem sich das Kino “Passage” befindet. Hier findet in einer winzigen Theaterkammer für vielleicht 70 Zuschauer statt, was sich als “Institut für postneurotische Oper” zu erkennen geben will, also das ziemlich genaue Gegenteil zum Festspielhaus in Bayreuth. Wie dort fliegt uns hier Wagner um die Ohren, allerdings nur vom Band und in Form hektisch geschnittener Klangfetzen aus Leit- und Leidmotiven, als Parodie und Karikatur der Wagnerschen Schwert-, Speer- und Welterlösungsdramen.
Fast gibt es so etwas wie einen Plot: Die Musikalienfirma “Ring und Gral” sieht sich überschwemmt mit Wunschen nach Wagnerraritäten und Fanartikeln, die nervösen Mitarbeiter im Büro landen inmitten ihrer Bücher und Notenstapel immer wieder in der Traumwelt von Wotan, Fricka & Co. am Ende im Chaos ratternder Text- und Tonzitate. Das Telefon nervt mit Siegfrieds Hornruf, und Sekretärin Hilde gerät jedes Mal außer sich, wenn Wagners Melodien erklingen, sie holt das gestische Potenzial des Überdrehten und Überspannten in Wagners Musik mit wilden Verrenkungen hervor, wie es keine Opernaufführung so zuckend-grotesk zeigen kann.
Der junge Münchner Komponist Moritz Gagern, der nach einer Jazzausbildung Philosophie studierte und an der Bayerischen Staatsoper Dramaturg der “Babylon”-Oper war, hat das alles arrangiert und zusammen mit der kalifornischen Choreografin und Performerin Sommer Ulrickson aus Berlin den einstündigen Wagner-Hexensabbath entworfen, den beide auf der Bühne heroisch durchexerzieren, zusammen mit einem Schauspieler (Christian Bo Salle) und einer Sopranistin (Olivia Stahn). Sie singt, brünnhildenhaft, immer dann stur wie eine Aufziehpuppe, wenn sie ihren Ring am Finger trägt, sie verstummt ruckartig, sobald er ihr entwendet wird.
Im Quartett der Versatzstücke werden so gut wie alle Fragen nach Wagners Weltanschauung gestellt – der Revoltuionär, der Antisemit, der Erlösungsmystiker, der Mythenchemiker, der Wahntechniker. Gut, dass wenigstens die Neuköllner Oper den Panoramablick auf Wagner von schräg unten anbietet. Und dass sie den Wagnerkult so vorbildlich schreddern kann.


Frankfurter Rundschau / Berliner Zeitung

Neuköllner Oper: Wagner for Sale

Von Clemens Haustein

Mit “Wagner for Sale” läuft in der Neuköllner Oper eine urkomische, ziemlich abgedrehte Bühnenshow, die sich zum 200. Jubiläum der Themen des Dichters annimmt. Sechzig Minuten Nonsense, Situationskomik und Spaß formen eine gelungene Parodie.
Es gehört zum Schicksal der Welterklärer, dass die Welt, die sie soeben erklärt haben, ihnen nicht nur mit dankbarer Bewunderung antwortet, sondern auch mit Spott. Es bleibt wohl dabei: Jeder kann immer nur seine eigene Welt erklären, und sobald er Allgemeingültigkeit beansprucht, begibt er sich auf glattes Eis. Es gibt dann diejenigen, die meinen, ihnen sei auch ihre Welt erklärt worden – und die zu Jüngern werden. Und wohl ebenso viele andere, denen das alles absurd oder komisch vorkommt.

Richard Wagner hat der Welt große Welterklärungsdramen geschenkt – und naturgemäß ebenso viele Steilvorlagen, sich darüber lustig zu machen.
Die ergeben sich nicht zuletzt aus dem mythischen, zuweilen pseudoreligiösen Nebel, mit dem der Dichterkomponist seinen Gültigkeitsanspruch inszeniert: Altertümelnde Sprache, der Hang zum Weihevollen, ein Opernpersonal, das selten ohne Speer, Schild und Helm ausgeht. Das wurde schon zu Lebzeiten Wagners eifrig parodiert und karikiert. Wenn jetzt 200 Jahre Wagner gefeiert werden, bedeutet das zugleich mindestens 150 Jahre Wagner-Parodie, -Karikatur und -Witz. Diese wichtige Seite der Wagner-Rezeption wird bei den Feierlichkeiten bislang erstaunlich wenig gewürdigt. Vermutlich auch, weil sich das Witzeln über Wagner im Laufe der Jahre dann doch etwas totgelaufen hat.
Neurosen in Hosen
An der Neuköllner Oper wagt man es dennoch und brachte am Dienstag mit „Wagner for Sale“ einen urkomischen, ziemlich abgedrehten Beitrag zum Jubiläumsjahr heraus. Was da von vier Schauspielern auf der Bühne des Studios aufgeführt wird, ist vielleicht auch deshalb so gelungen, weil man sich auf Wagners große Themen erst gar nicht einlässt. Ausgangspunkt ist die heftige Wirkung seiner Opern auf die Kunstkonsumenten. Die Begeisterungswilligsten unter ihnen werden bekanntlich „Wagnerianer“ genannt. Drei Wagnerianer sind es auch, die hier den Devotionalienhandel „Ring und Gral“ betreiben – drei Personen mit einem deutlichen Zug zum Neurotischen.
Darunter ein bedächtiger Herr im braunen Cordanzug (Moritz Gagern), der den ganzen Abend lang keine Miene verzieht, aber der Leiter dieses Geschäfts sein muss, weil er noch weniger zu tun hat als alle anderen; er sieht es gar nicht gern, wenn sein Kollege (Christian Bo Salle) beim gemeinsamen Hören von Wagner-Highlights enthusiastisch mitdirigiert. Der Kollege selbst ist meist mit dem Abzählen der herumstehenden Kartons beschäftigt, wenn er nicht gerade bei einem Monolog über die „Revolution in der Musik Wagners“ außer sich gerät.
Das Horn ruft nach vorn
Den Hauptteil der Arbeit verrichtet ein Frauenzimmer in Kniestrümpfen, Rock und Rüschenbluse (Sommer Ulrickson). Sie nimmt Bestellungen auf, die über ein mit Siegfrieds Hornruf auf sich aufmerksam machendes Telefon eingehen. Sobald Wagner-Musik erklingt (in sehr gelungenen Klangcollagen, ebenfalls Moritz Gagern), muss sie wie eine Besessene tanzen, zucken, sich auf dem Boden wälzen. Bleibt als vierte Person eine echte Sängerin (Olivia Stahn), die zum Angebot des Wagner-Kramladens gehört und sich praktischerweise durch Drehen an ihrem Fingerring lauter und leiser stellen lässt.

Sechzig Minuten Nonsense, Situationskomik und überraschende Nichtigkeiten sind das; eine gelungene Parodie auf all jene, die süchtig sind nach dem Schauer, den Wagners Musik ihnen über den Rücken jagt. Unheimlich ist auch eine Tür im Hintergrund der Bühne, aus der es beim Öffnen windet und blitzt. Es ist der Ausgang aus dem Lagerraum von „Ring und Gral“, dort lauert die Außenwelt, die Realität. Und die ist der Horror für jeden Enthusiasten.

B.Z. Berlin
Wagner for sale in der Neuköllner Oper
Das Wagner-Jahr ist noch längst nicht vorbei. Grund genug für die Neuköllner Oper, noch eine Schippe draufzulegen. In “Ein Devotionalienhandel” von und mit Sommer Ulrickson geht es um vier Mitarbeiter eines Musikalienhandels mit Wagner-Fanartikeln. Singend tauchen sie in die Klangwelt seiner Opern ein, bis ein großes Chaos entsteht. Und jede Mühe, das Ganze auf den Vertrieb der Waren zurückzuführen, scheitert grandios.

Radio: RBB Inforadio, Barbara Wiegand

Ankündigungen:

Tagesspiegel
Kultur – Musiktheater
Wagner for Sale.

Der Devotionalienhandel „Ring und Gral“ möchte seine Lager räumen, wo sich Leitmotive stapeln. Etwa die des Herrn Tannhäuser, der allein achtmal sein eigenes Motiv zu singen hat. Moritz Gagern (Komposition/Arrangements) und Sommer Ulrickson (Regie) machen sich mit viel Verständnis für Richard Wagner daran, den Kult um ihn mit allem gebotenen Ernst auf die Schippe zu nehmen.

Berliner Morgenpost
Das Beste am Dienstag
Uraufführung: “Wagner For Sale” in Neukölln

Im Wagnerjahr 2013 steigt die Nachfrage nach originellen Wagnerraritäten und -fanartikeln. Die Neuköllner Oper hat diesbezüglich erstklassige Ware im Angebot: eine Uraufführung von “Wagner for Sale” in der Inszenierung von Sommer Ulrickson mit der Musik von Moritz Gagern. Ein theatralischer Devotionalienhandel, ein Sog von Texten, Klängen und Bewegung.

Upper Eastside Berlin

Ecke Friedrichstraße / Unter den Linden steht auf der Fassade des Neubaus in goldenen Lettern: “Upper Eastside Berlin”. Das erinnert in seiner freiwilligen Selbst-Provinzialisierung an Kneipen, die zu “Life Music” in dem Bierinstitut namens “By Rudy’s” oder “Texas In” einladen.

Während die Bewohner von Manhattans Upper East Side infolge der Mietpreisentwicklung nach Berlin schwärmen und dort nach etwas Anderem suchen, begrüßen sie die hiesigen Bauherren wie der Igel den Hasen. Sie machen Berlin einerseits zur austauschbaren Provinz, indem sie eine seit 120 Jahren legendäre urbane Straßenkreuzung nach dem Viertel einer anderen Metropole benennen. Gleichzeitig bereiten sie dieselbe Mietpreisentwicklung vor, die Manhattan in den 1990ern verwüstet hat. Drittens wissen sie vermutlich von alledem nichts. Das ist das Schlimmste. Irgendwelche unbemerkt überforderten Entscheidungsträger denken sich, “Upper Eastside” klinge irgendwie zentral, man hat Geld, aber keinen Horizont, und schon steht es dort.

Dass sich die Verwüstung New Yorks durch die Mietpreisentwicklung der letzten zwanzig Jahre jetzt in Berlin wiederholt, verkündet die Inschrift. Zugleich zeigt sie, dass es noch ein paar hundert Jahre dauern wird, bis diese Stadt nicht mehr provinziell ist. Das macht auch ihren Charme aus.

Wohin schwärmen die ehemaligen Bewohner der Upper East Side Manhattan als nächstes, wenn sie dann auch aus der “Upper Eastside Berlin” vertrieben worden sein werden? Werden dort, in Odessa oder Ulan-Bator, Neubauten mit der Inschrift “Mitte” eine im globalen Netz gar nicht mehr begehrte Zentralität behaupten?

Wie gehen wir damit um, dass ein Prozess vorhersehbar ist, der aus Berlin ein weiteres Nowhere macht? Wir schauen sehenden Auges zu. Freiwillig provinzialisiert aus einer strukturell bedingt kulturfreien Großspurigkeit der zufällig zu Entscheidern gewordenen Bauherren. Übrigens hat immer noch niemand den Werbe-Pfahl der “O2-World” gefällt. Und auch hier hat Cohen wieder Recht: First we take Manhattan, then we take Berlin.

And then we take Ulan-Bator  – und die Leute, die sich befremdet fühlen von behaupteter Zentralität durch den Rückgriff auf andere, längst schon vergangene Zentren, ziehen aufs Land, in die echte Provinz, falls noch vorhanden, während die Städte zu Kopien von Kopien werden.

Piano Pianino

Komposition für Pianoforte, Venedig, Nov 2010

Piano:
Fläche, Ebene, Stockwerk;
leise, leicht, sachte, zurückhaltend, verständlich;
Entwurf, Projekt;
Klavier
Pianino:
allmählich, mit der Zeit, langsam
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Das erste Stück im Kontext des venezianischen Kompositionsprojektes Colpi di Scena, Piano Pianino, entstand für einen Werkstattbericht im Centro Tedesco di Studi Veneziani am 10.11.10. Es enthält erste modellhafte Umsetzungen. Architektonische Strukturen, die durch ihre unwiederholbare Asymmetrie überzeugen, werden auf harmonische und rhythmische Strukturen am Klavier übertragen.

Ausschnitt:Die Recherche speist sich aus dem Überdruss an einer Architektur des Rasters und an weithin dominierenden Designs, die am Computer entstehen und ihre Gestalt den Angeboten zu verdanken haben, die von der Software bereitgestellt werden. So ähnlich wie Musikprogramme und Grafikprogramme zu typischen Entscheidungen verleiten, wenn man ohne Intention an sie herantritt, passiert das in der Architektur. Geradezu eine Regel ist es bei Gebäuden, die nicht den Gesetzen der Architektur folgen, sondern denen des real estate.

Es gibt auch andere Gründe, warum Gebäude ohne Identität und Charakter entstehen. Dass in Venedig so viele eigenwillige Exemplare mit souveräner Formsprache zu finden sind, liegt zum Teil auch am bougeouise-oligarchischen Staatsmodell der venezianischen Republik. Wer es durch Welthandel zu etwas gebracht hatte, wollte ein Unikat an den Kanal stellen und sich nicht einreihen, wie es eher den späteren Konzepten sozialistisch orientierter Staaten entsprach, deren Höhepunkt wahrscheinlich nicht einmal in der legendären Regelung der DDR zu finden ist, dass jeder, der Fassadenornamente an seinem Haus abschlägt, eine Prämie bekommt. Der Höhepunkt der gleichgeschalteten Architektur ist erst in den Neubauten Berlins nach 1990 zu finden. Uninspirierte Raster-Orgien, verursacht durch eine Mischung aus kultur- und geschmacklosen Bauherren einerseits, oft internationale Investoren, die mit dem Ort ihrer Investition nichts am Hut haben, und andererseits korrupten hohen Beamten im Berliner Senat.

Venedigs heutiges Erscheinungsbild gibt noch viele Beispiele für Formen, die sich nicht wiederholen lassen und jedem Ansatz entziehen von jener faktischen Gleichschaltung, mit der sich der demokratische “Kapitalismus” inzwischen architektonisch ad absurdum führt.


Berühmtes Beispiel:In abgelegenen Zonen:

Piano Pianino ist ein Entwurf. Das Projekt zielt auf ein sachtes Klavierstück, das von der Oberflächenstruktur einiger Gebäude ausgeht, von der Struktur der Stockwerke untereinander und in sich. Die Übertragung geschieht experimentell durch verschiedene Versuche und Techniken. Was sich optisch auf einen Blick vermittelt, kommt akustisch-musikalisch erst allmählich und mit der Zeit zum Tragen.




Concert for Fifty Wind Gongs

Concert for fifty wind gongs and small ensemble

The project in its origin is about playing ensemble music in a room with no center. It’s about the gong as an instrument that creates structure and melody[1]. And about exhibition principles of visual art applied to acoustical art. Now I’d say it’s mainly about a new instrument and it’s possibilities.

The new instrument is made of fifty individual wind gongs from Wuhan, China, where gongs are being manufactured for thousands of years, actually. They will be installed in a special order that divides the room into a labyrinth-like structure. These gongs resonate even to mere sound. In an old chinese legend some monks were able to sing at the gongs and thus make them vibrate and sound like a barking dragon. But it’s a fact that instruments are being echoed with their exact timbre in those 50 hanging bronze cymbals.

Each gong has its dominant frequency. So the material for the composition will be developped in a first step by analyzing the selected gongs that i will be delivered from the world’s oldest gong manufacture in Wuhan. The composition will play with a reciproque influence: the ensemble will play material that is derived from the natural pitches of the selection of gongs i use for the installation. On the other hand they will play around those frequencies that best resonate in the hanging gongs. The garden of gongs will react to the ensemble by itself, as a very precise and magical echo, but the gongs will also be played directly, in a more or less classical manner, with soft and hard mallets, with bows and other materials. Because of their broad bandwith of frequencies a lot of harmonic beats can be created by playing several gongs at the same time.

The ensemble is spread across the room, communicating by listening. The audience will change positions in the labyrinth during the concert and decide about the acoustical perspective of the concert individually.

I first dealt with the topic of the room without center in the dance piece „Jerusalem Syndrom“ in 2003. Later I expanded the theme in my concert „Babylonian Loop“ for the spinning restaurant in the Berlin TV tower, produced by Berliner Festspiele, Maerzmusik 2007. Twenty musicians were placed around the „bagel-shaped“ room, as one critique called it, 207 meters above Berlin. The audience sitting at the tables would slowly pass the musicians individually. The concert, greatly performed by the KNM, takes 60 minutes, which equals two rounds of 360° by the audience.


[1] The practice of combining small gongs according to their pitches for music playing began way back in ancient China. For instance, Chinese gong chimes images were featured in paintings from the Song Dynasty. In the Yuan Dynasty, Chinese gong chimes were not only popular among ordinary people, but also used in banquet music in the imperial court and religious music. There appeared 10, 13 and 14-note gong chimes.

Chinese gong chimes are widely popular across China, mainly used in age-old trumpet music, wind and percussion music as well as in Buddhist and Taoist music etc. Shifan drum music (string and wind instruments plus a drum, clapper and gong chime) and Shanxi drum music are two typical examples featuring the gong chimes.

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copper swarf in a manufacture for cymbals

On Percussion

Experimental music sometimes has non-musical influences. Non-musical in the sense of non-mathematical. One of these non-mathematical influences can be the choice of percussion as a main instrument.  It shifts the focus from harmony (mathematics) to colour.

Iannis Xenakis’ work opened new aspects of music by radical reference to architecture’s laws instead of music’s laws. Morton Feldman took contemporary painting as well as traditional nomadic rug craft as point of reference, by which he, too, overcame the mathematical laws of music itself. Not sure why i’m interested in non-mathematical influences on music, maybe because the language of music is more interesting as a means of communication than as an aim in itself.

Percussion instruments play an important role in this issue. They offer something valuable from outside music’s mathematics. They rather make sound than tone. Some produce tone, but the tone is more an aspect of the colour than the other way around, so they always allow for a shift of focus: from the focus on harmony to a focus on sound. What i hope to find out is: how can melody evolve from there.

Here’s part of an interview with Morton Feldman, which seemed interesting to me, not only because he talks of gongs, but because the way he talks about the possible use of percussion as a main instrument some decades after Varèse:

Why patterns, Instruments III, Flute and Orchestra

Morton Feldman, Interview with Jan Williams, 22.04.1983 (first appeared in the September 1983 issue of Percussive Notes (pp4-14))

I’m now much more specific for my battery of percussion. But I’m back to using, say, a lot of gongs when I use a gong, a lot of triangles and three glocks. One glock in an orchestra is cosmetic. Three glocks is orchestral. Where a few triangles is nothing, but 15!

It is now very difficult in an orchestral piece for me to have one cymbal, or just one gong – or even chimes. I find myself using three sets of chimes and it’s a very interesting thing. As you use more of these instruments, you begin to see the illusion some people have about percussion speaking in a hall or even in a recording session.

I would like to get to a point artistically and psychologically where I think I could write a serious piece for triangle and string quartet. That sounds a bit far out, but why not?

I wonder what the perception of percussion would be hearing it for a longer period of time than we are used to.

Then, we have the whole problem of pitch percussion against non-pitch percussion. Making too much of a hierarchical situation out of either one or the other. That’s one of the problems that I have about mixing, where I don’t want my percussion to become absolutely “background” if it’s non-pitched, and “foreground” if it is pitched. It’s one of the big problems that I have in getting my instrumental balance of percussion instruments together when I start a piece.

And when I am thinking about percussion – in fact, you’re making me think about percussion and I’m glad we’ve had this conversation – I hope that maybe I would think about how paradoxically I could find a historical weak spot which is also its strength. That’s what I really mean. You can’t do that with any other instrument. You have to rediscover. You have to make different models for percussion. Back to earlier things in the conversation: I can’t repeat it enough – to try to get away from the model in percussion. I remember when I was in your studio and I was composing Instruments III and you were playing certain things for me, and I noticed that just the time element – I drifted for, say, two or three minutes very naturally without any impatience, where that time would be very, very long indeed if it was just an instrumental drone going on. But the whole sense of time was different. You don’t have the historical implication of harmonic rhythm or atonal rhythm and you are in another kind of time world there and that kind of time world is very, very interesting for me, especially now since I’m writing very long pieces. So maybe I will write a piece that is very long using that aspect. Or, just thinking in terms of time, and what the instrument could do in the world of time that acoustical instruments don’t choose to do. Well, we’ll see about that. But I want to certainly try and write an extended percussion piece.

Windgong Project

Bauprobe Hellerau Mai 2010

Projektbeschreibung

 

4. + 5. Sept 2010, Schlagwerke 03, Festspielhaus Hellerau                                      13. Okt. 2010, TonLagen, Dresdener Festival für zeitgenössische Musik

 

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Proberaum:


Presse Kurs:Liebe

Kritiken – Vorstellungen 2009/2010 

Schwäbisch Hall, 18.07.2010

Mammon auf die Beine helfen

„Kurs:Liebe“ uraufgeführt im Globe Theater Schwäbisch Hall


Foto: © Jürgen Weller Fotografie

Wandte man sich in den 20er Jahren mit schmissigem Klartext noch an die höchste Instanz: „Ein letztes Wort zu Gott, wir sind bankrott, bankrott, bankrott!“, lautet der Songtext in finanziell ähnlich auswegloser Lage heute: „You are my emotional bank account, I invest in you, ’cause this bank won’t have a global market crises“ (Du bist mein Gefühlskonto, ich investiere in dich, denn diese Bank wird keine globale Wirtschaftskrise haben).“ Statt Rückzug ins Private wünscht man sich Text und Musik (Musikalische Leitung: Moritz Gagern) in Gottes Ohr. Oft genug wird der eingängige Refrain wiederholt, um sich beim Hörer einzunisten. „Das war doch jetzt richtig gut!“, ein Nachsatz, der dem Uraufführungspublikum im Globe Theater satten Szenenapplaus entlockt.

Mit „Kurs:Liebe“, einer Produktion aus der Berliner Choreografen Werkstatt von Sommer Ulrickson (Regie und Choreografie) möchten sich die Haller Festspiele im 85. Jahr ihres Bestehens dem Genre Tanztheater öffnen. Voll Elan wirft sich das Ensemble (Clarissa Herrmann, Dan Pelleg, Marko E. Weigert, Christoph Schüchner sowie Gagern und Ulrickson) ins Stück und bühnenmittig auf ein Trampolin. Rücken an Rücken gefesselt hüpfen Pelleg und Weigert, Gangster Joe geht ab wie eine Rakete und die konditionsstarke, einfallsreiche Ulrickson alias Frau Silvia vollführt wilde Sprünge, hinter denen sich die von Haute und Baisse gebeutelten Aktienkurse verstecken können.


Foto: © Jürgen Weller Fotografie

Die Handlung entwickelt sich ausgehend von einem Fortbildungsseminar, in dem Bankangestellte in Rhetorik geschult werden, um bei Kreditvergabe und Kundenakquise emotionale Stringenz ins Beratungsgespräch zu bringen. „Ihre Investitionen vermehren sich bei uns so sicher wie Hasen im Frühling“, so lauten der Branche abgelauschte Sätze. Körper- und wortsprachliche Wendungen und Verrenkungen sind amüsant und treiben mit einem Überfall samt Geiselnahme durch ein Bankräuberduo weiter bizarre Blüten. Was die Kursleiterin den Angestellten mühsam einbläuen wollte, bringen die Bankräuber mit: Wertschätzung für und Vertrauen in harte Münze. Geld oder Liebe? Beides sind Macht-, Bindungs- und Lenkungsinstrumente, die im Doppelpack noch besser wirken.

Das Theater eine Spielwiese in Grün, Blau und Gelb, über die drei Etagen des hölzernen Rundbaus entspinnen sich absurde Aktionen. Die Stimmung kippt von bedrohlich in schrille Partylaune oder verödet in Warten. Geiseln solidarisieren sich – gemäß dem Stockholm-Syndrom – mit Geiselnehmern. Auffallend abwesend ist die Farbe der Liebe. Das einzige Rot im Stück, die Tomatensoße auf der Pizza, die auf sich warten lässt. Endlich angeliefert klopft und fingert Joe darauf herum, weil er darin einen versteckten Sender vermutet – ein Schelm wer dabei an paranoide Agenten denkt. Apropos Agenten, das Stück könnte sich auch eine Werbeagentur ausgedacht haben, die im Namen aller Banker dem schnöden Mammon in der Baisse auf die Beine helfen möchte.

Autor: Leonore Welzin


http://www.tanznetz.de/kritiken.phtml?page=showthread&aid=184&tid=17917

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Gefühlsecht zum Bankerfolg – im Haller Globe

Sommer Ulricksons bringt das multiformale Ensembleprojekt „Kurs:Liebe“ auf die Bühne in Schwäbisch Hall

Warum nicht? Das Stück zur Bankenkrise, zum Vertrauensverlust. Mit dem Geld haben die Kunden ihr Vertrauen verloren. Wer es zurückgewinnt, verdient wieder. Aber wie? Am besten mit dem Vokabular der Liebe. Denn Vertrauen ist menschlich. „Kurs:Liebe“ heißt das Ensembleprojekt, das Sommer Ulrickson im Haller Globe auf die Bühne gebracht hat. Ein munteres Vexierspiel, das sich aus den Elementen Schauspiel, Tanz und Musik speist.

WOLFGANG NUSSBAUMER

Frau Silvia hüpft gerne auf dem Trampolin. Da kann sie förmlich aus sich selbst herausspringen und mitteilen, was ihr sonst nicht gelänge. Wie ein Stotterer, der singt. Frau Silvia ist ein schwieriger Fall im Team der Bank; das Aschenputtel, das es allen recht machen möchte und um Anerkennung kämpft. Sommer Ulrickson hüpft mit Bravour in diese tragikomische Figur. Ferner nehmen an dem von Alexander Polzin und Nicola Minssen symbolkräftig ausgestatteten „Kurs“ noch Herr Zwingli, ein extrovertierter, offenkundig schwuler Schönling (Dan Pelleg) und Herr Schulz (Marko E. Weigert) teil, ein arroganter Misanthrop. Geleitet und überwacht wird das Seminar in Körpersprache und verbaler Rhetorik von Gabi-Renate (Clarissa Herrmann).
Typ: Steht vor sich selber stramm, um ihre lüsternen Gedanken zu verdrängen. Lässt genau so gerne die andern stramm stehen. Oder nach ihrer Pfeife tanzen. Beides darf man wörtlich nehmen. Als Resultat freut man sich an wunderlich grotesken körpersprachlichen Psychogrammen, an Verrenkungen mit Gesang, am Wortwitz, wenn die Empathie der Gefühlssprache auf die ökonomische Erwartungshaltung der Banker trifft und das Giersystem auf die Schippe nimmt.
Erweitert werden die interaktiven Möglichkeiten durch das Eintreffen zweier Bankräuber; Strumpf überm Kopf, Knarre in der Hand, Gitarre umgeschnallt. Sind der nervige Joe (Christoph Schüchner) und der coole Mafioso Mojo (Moritz Gagern) echt oder agents provocateurs? Sie verhalten sich jedenfalls ziemlich echt, setzen die Geiseln unter Druck und fraternisieren mit ihnen im Wechsel; die so unnahbare Gabi-Renate erliegt dem rauen Charme Joes, Frau Silvia möchte den mit dem Revolverlauf Slidegitarre spielenden Mojo beeindrucken und kommt dabei Herrn Zwingli in die Quere. Moritz Gagern spielt als Gangster übrigens nicht nur Gitarre, sondern auch Klavier. Aus seiner Feder stammen die Songs, die das Ensemble nahezu makellos intoniert. Das Angestelltenteam zeigt sich in der Ausnahmesituation sehr emotional, nahezu gefühlsecht. Aus der Angst geborene Lust beschert den Seminarerfolg. Bis tödliche Spannung in der Luft liegt. Joe dreht durch. Doch in die Spannung, da fällt kein Schuss.
Zurück bleiben fassungslose Mienen rund ums Trampolin und zufriedene auf den Besucherrängen. „Scherz, Satire, Ironie und tiefere Bedeutung“ hat der Dichter Grabbe einst seine Komödie überschrieben. Der Titel könnte auch über diesem Kurs in Sachen Verkaufserfolg durch emotionale Techniken stehen. Nur nach der Bedeutung muss man nicht so tief graben. Aber das tut dem Spaß an diesem für Hall neuen Theaterformenmix keinen Abbruch.

Weitere Aufführungen am 23. und 24. Juli; 7., 8., 10., 11., 12., 18., 19. und 20. August, jeweils 20 Uhr im „Globe“. Karten: Tel. (0791) 751600, Fax (0791) 751-397. www.freilichtspiele-hall.de. Mail: kartenkontor@schwaebischhall.de

© Schwäbische Post 21.07.2010

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Südwestpresse, Autor: Bettina Lober | 20.07.2010
 

Gefühle rund ums Geld


Ganz streng: Seminarleiterin Gabi-Renate (Clarissa Herrmann), im Hintergrund genießen die Bankangestellten die Sprungfreiheiten des Trampolins (Bühne: Alexander Polzin, Nicola Minssen). Fotos: Weigert
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Die Freilichtspiele Hall betreten Neuland. Eigentlich kann man dieser Theaterform noch gar keinen Namen geben. Denn in “Kurs: Liebe”, einem Ensembleprojekt unter der Leitung der Regisseurin und Choreografin Sommer Ulrickson, kommen mehrere Genres zusammen, die gemeinsam eine eigene Gattung ergeben. “Kurs: Liebe” vereint viele Elemente – Gesang, Musik, Schauspiel, Tanz, Akrobatik. Ist das nun Tanztheater? Modern Dance, Collage-Performance, Avantgarde? Man kann angesichts dieses abwechslungsreichen Abends im Globe Theater ins Grübeln, Debattieren – und Genießen kommen.

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Es geht um Liebe – dieses mächtige und ach so undurchsichtige Gefühl. “Ein Abend über den Mehrwert von Gefühlen”, lautet der Untertitel des Stücks, das nur aus der Probenarbeit heraus entwickelt wurde. Und so wie einem zuweilen die eigenen Gefühle allerlei Rätsel aufgeben können, kann es durchaus auch dem Zuschauer im Globe gehen. Und warum eigentlich nicht?

Ausgehend von einem Fortbildungsseminar für Bankangestellte sollen die drei Teilnehmer Zwingli (Dan Pelleg), Schulz (Marke E. Weigert) und Silvia (Sommer Ulrickson) lernen, Begriffe des Gefühls souverän im Beratungsgespräch anzuwenden. Kursleiterin Gabi-Renate (Clarissa Herrmann) begrüßt die Truppe zum “Verkaufstraining Senior developper Modul VI: ,emotional grasp- Techniken bei Kreditvergabe und Kundenakquise”. Begriffe und Phrasen wie Geborgenheit, Sicherheit, Wärme und “Sprungbrett ist Glück” werden eindrucksvoll und humorvoll durch Bewegung erklärt. Bis die beiden Bankräuber Joe und Mojo auftauchen und das Seminargefüge ordentlich aufmischen. Sollen die Seminarteilnehmer damit auf die Probe gestellt werden? Nun, es scheint doch recht ernst zu sein. Joe (Christoph Schüchner) entpuppt sich als recht multiple Persönlichkeit, die wohl tausend verschiedene Gründe und Gefühle für den Überfall nennen könnte. “Ich raube keine Bank aus, ich befreie sie vielmehr”, antwortet er auf Gabi-Renates Frage nach dem Grund seiner Tat.

Die Gefühlslage der Schicksalsgemeinschaft aus Räubern und Geiseln in der Globe-Bank wandelt sich fortan ständig – das Experiment nimmt seinen Lauf. Sichtbare und unsichtbare Bündnisse werden geschmiedet, da wird munter in Gefühle “investiert”. Joe verliebt sich in Gabi-Renate, Silvia verlagert ihre positiven Gefühle von Zwingli auf den melancholischen Gitarristen Mojo (Moritz Gagern, Komposition) – das paradoxe Stockholm-Syndrom lässt grüßen. Ausdrucksstark und akrobatisch bewegen sich die Darsteller über die Bühnenebenen und verschlingen sich kunstvoll ineinander – sie lassen ihre Körper sprechen, aber auch ihre Stimmen. Überhaupt agiert dort ein Ensemble von tänzerischen, schauspielerischen und gewitzten Könnern. Wie von selbst ergeben sich dabei die passenden Songs von Moritz Gagern, zu denen auch eine Art “Angst-Choral” gehört. Irgendwann träumen Räuber wie Geiseln um das große Trampolin auf der unteren Bühnenebene liegend zusammen den selben Traum vom großen Geld, einer besseren Welt. Bis die Seminar-Realität dem Ringen um Liebe ein jähes Ende setzt.

Vertrauen, Macht, Liebe, Geld – die Begriffe werden in vielen Varianten vor Augen und Ohren geführt. Das tröpfelt an einigen Stellen aber auch etwas ziellos vor sich hin. Dennoch ist die Spielfreude von Ulrickson und ihrem Team eindrucksvoll – ein Abend eben mit vielen Gefühlen.

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Presse Lovesick

TAGESSPIEGEL 13.3.10

Gefühlsecht

“Lovesick”: uraufgeführt an der Neuköllner Oper

Das ist eine jener Uraufführungen, mit denen sich die Neuköllner Oper in Berlin unverzichtbar macht. Weil sie das Genre des Musiktheaters wirklich voranbringt. „Lovesick“ ist keine verkopfte Staatstheater-Alibiproduktion, sondern ein Stück übers echte Leben, witzig und ernst zugleich, das seine Zuhörer abholt, wo sie emotional stehen, das Alltagserfahrungen mit den Mitteln der Kunst ins Allgemeingültige hebt. Avantgarde-Musical, Off-Broadway-Show, multistilistische Nummernrevue, Collage-Performance: Was die Regisseurin und Choreografin Sommer Ulrickson mit dem Komponisten Moritz Gagern entwickelt hat, kann man mit vielen Namen benennen. Oder einfach genießen.

Es geht um die Liebe, natürlich. Die dramatische Story von der eifersüchtigen Astronautin, die ihre Konkurrentin mit Pfefferspray attackiert, ist nur der Ausgangspunkt für ein gesungenes, getanztes, gespieltes Panorama der unterschiedlichsten Ausprägungen von trennungsbedingtem Herzbruch. Acht Leute agieren auf der Bühne, und keiner hält sich an die übliche Aufgabenverteilung: Die Musiker agieren auch, Tänzer singen, Schauspieler werden in die Choreografien eingebunden. Der pas de trois, bei dem er nicht von seiner Ex loskommt, die ihm ans Bein gefesselt ist, fünfstimmiges A-Cappella-Heulen, Beziehungs-Reha an der rollenden Gulaschkanone, Hirschhausenhafte Beziehungstipps vom Pianisten: 90 Minuten Lebenshilfe ex negativo, geistreich, gallig, gefühlsecht. Großartig.

Am 8. April startet in der Neuköllner Oper das experimentelle europäische Musiktheatertreffen „Open Op“. Mit „Lovesick“ haben die Gastgeber die Latte extrem hoch gehängt. Frederik Hanssen

Weitere Aufführungen bis 18. April.

(Erschienen im gedruckten Tagesspiegel vom 13.03.2010)

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Liebeskranke geben sich in der Neuköllner Oper lustvoll ihrem Leid hin

Von Lucía Tirado
Der Liebeskrankheit beizukommen, zeigt »Lovesick«, ist

Der Liebeskrankheit beizukommen, zeigt »Lovesick«, ist ein aussichtsloses Unterfangen.
Foto: Matthias Heyde

Einmal wendet sich die Sängerin ans Publikum. Gab es Verletzungen? Ist Hoffnung, sich noch einmal zu verlieben? Von Liebe und damit verbundenem Schmerz kann schließlich nahezu jeder ein Lied singen. Und das geschieht nun in der ideenreichen Inszenierung »Lovesick« von Choreografin Sommer Ulrickson und Komponist Moritz Gagern, die in der Neuköllner Oper ihre Uraufführung erlebte und sich auf originelle Art über den Liebeskummer erhebt.

Einen Taumel nennen sie ihr Stück. Ecken und Nischen bietet die Kulisse von Nicola Minnsen und Alexander Polzin, einen Ausgang und einen für manche funktionierenden Fluchtweg. Und da ist eine Gulaschkanone. Denn so etwas gehört in ein Camp. Es gibt doch für alles Camps – für Dicke, Dünne, Gestresste oder Gestrauchelte. Mit »Lovesick« öffnet sich eins für Liebeskranke. Drei singende Tänzer der wee dance company (Sommer Ulrickson, Dan Pelleg, Marco E. Weigert), eine tanzende Sängerin (Barbara Ehwald) und eine singende und tanzende Schauspielerin (Tilla Kratochwil) geben sich dem Leid hin.

Teilen heißt heilen, ist die Therapie. Ein musizierendes, auf Distanz bedachtes Betreuerteam (Moritz Gagern am Flügel, Noga-Sarai Bruckstein mit Violine und Jörg Vollerthun mit Posaune) erteilt ihnen Tipps und trägt Mundschutz, um sich vor der »Lovesick«-Pandemie zu schützen. Infektionen sind alltäglich. Irgendein Sprühzeug, mit dem sie 99,9 Prozent der Krankheitserreger niedermetzeln könnten, ist nirgends auszumachen. Die Liebeskranken haben den Leidensweg der amerikanischen Astronautin Lisa Nowak verinnerlicht, die 2007 von Eifersucht getrieben in einer Nacht 1500 Kilometer mit dem Auto fuhr, um ihrer Konkurrentin zu erwischen. So etwas nennt man Konsequenz, meint man im Camp und tauscht sich über eigene schmerzliche Erfahrungen und deren Folgen aus.

Der eine raucht wieder, die andere raucht nicht mehr, der dritte will jetzt rauchen. Ein komisches Bild geben die Liebesinvaliden ab, wie sie sich selbst nennen. Gegen die aus Tragik erwachsene Komik ist kein Kraut gewachsen, ist hier gut ins Bild gebracht. Den Tipps der Betreuer folgend, üben sich die Kranken nun gemeinsam in Mir-geht-es-gut-Gymnastik, um nach dem Motivationstraining wieder zusammen zu sacken. Ab und zu wird eine Kandidatin rausgekantet und taucht wenig später prompt wieder auf. Die Gruppe der Verletzten und Verschmähten darf gemeinsam musizieren. Es gibt immer wieder Auseinandersetzungen und einen Herz zerreißenden gemeinsamen Heul-Song.

Parallel zu den gespielten grotesken Situationen schuf Ulrickson zum Staunen bringende Bilder. Es wird im Liegen und im Kriechen gesungen. Einmal transportieren die Tänzer auf ihren über den Boden rollenden Körpern die Sängerin zum Ausgang. Die Kandidaten im Camp tragen Nummern, keine Namen. Nummer 2 ist ein schwerer Fall und wohl schon am längsten hier. Aber sie arbeitet hart. Anfangs in Helm und gepolsterten Anzug verpackt, trainiert sie zunächst angewidert, später ehrgeizig mit Nummer 694 die Annäherung zwischen Frau und Mann. Der Tanz der beiden ist auf wunderbare Art widersprüchlich. Sich auf Misstrauen gründend, zeigt er Bewegungen, die Vertrauen bedingen. Am Ende fühlt sich Nummer 2 geheilt und kann gehen. Doch werden ihre Schritte an der Tür langsamer. Da schmerzt doch schon wieder eine Trennung?

Der Liebeskrankheit beizukommen, zeigt »Lovesick«, ist ein aussichtsloses Unterfangen, auch wenn dort davon die Rede ist, dass die Krankenkassen vorbeugende Maßnahmen fordern. Aber den Menschen allein gehört das Leiden nicht, gehört zu den Aussagen dieses schönen Stücks. Es wird beispielsweise von einem Schwan erzählt, der sich unglücklicherweise in ein Boot verliebt hat, es nun begleitet und beschützt. Dabei haben die Stückemacher wahrscheinlich vom Schicksal der Singvögel in Großstädten noch nichts gehört. Die haben sich verzweifelt darauf umgestellt, nachts sehnsüchtig nach einem Partner zu rufen, weil sie damit im Tageslärm nicht durchkommen.


18.-21., 25., 26.3., 1.-3.4., 20 Uhr; beim Festival »Openop« am 17., 18.4., 21 Uhr, Neuköllner Oper, Tel.: 68 89 07 77
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zitty, 23.03.2010

MUSIK-TANZ-PANDEMIE: Lovesick

Foto: Arno Declair
Was verbindet eine pfeffersprayende Astronautin mit einer Frau in voller Rugby-Montur? Beide sind liebesgeschädigt. Die Nasa-Raumfahrerin dreht durch, als ihr Liebhaber sie mit einer Kollegin betrog und will die Nebenbuhlerin mit Pfeffergewalt entführen – eine wahre Geschichte. Die andere Frau ist ein reines Theaterbild: Rundum verpackt schützt sie sich vor jeglicher körperlichen Annäherung. Beide Geschichten sind lose eingestreute Verbindungsglieder in einer genresprengenden Veranstaltung zum Thema Liebeskummer. Wir befinden uns in einer Art Reha-Anstalt für Liebesinvaliden. Dort wird in den aberwitzigsten Positionen gesungen, aneinander gebunden getanzt und wenn es den Insassen ganz schlecht geht, intonieren sie gemeinsam eine Heul-Arie, die momentweise wie ein Barockstück klingt. Manchmal rollt eine Gulaschkanone durch die Szene. Einen „Taumel“ nennen Regisseurin Sommer Ulrickson und Komponist Moritz Gagern ihr Gespinst aus Tanz, Gesang und ein bisschen Text, das vor absurd-komischen Situationen nur so strotzt, und manchmal auch mitten ins Herz trifft. Denn das Gefühl des Verirrtseins kennt jeder. Auch der Schwan, der sich in ein Tretboot verliebte. Noch so eine wahre Geschichte.
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